TREINTA AÑOS DE SIDA.

junio 9, 2011

Audio. Rafael Nájera: \"La discriminación y las medidas coercitivas sólo consiguen que el enfermo de SIDA no acuda al sistema sanitario y sea un problema de salud pública\".

El VIH debilita la capacidad del cuerpo para combatir las infecciones y las enfermedades. Cualquiera de nosotros puede contagiarse con el VIH.
El 20% de las personas que recientemente han sido diagnosticadas con SIDA tienen entre 20 y 30 años. Seguramente contrajeron el VIH cuando estaban en la escuela secundaria, ya que una persona que contrae el VIH tarda varios años en mostrar señales del SIDA.
El VIH se transmite de una persona a otra principalmente cuando se mezclan o intercambian líquidos producidos por el cuerpo, como la sangre (y la sangre de menstruación), el semen, los flujos vaginales y la leche materna.

FINALIZACIÓN DEL TEMA 6: DOS ÚLTIMAS PARTES, 6b Y 6c.

junio 2, 2009

Al haber preparado el tema 6 (trama, desarrollo y propuesta didáctica) para la fecha prevista (15 de mayo) y no haberlo terminado debido a una equivocación, pasaré a comenzar el desarrollo de sus dos últimas partes, ya que tanto la trama como la propuesta didáctica quedaron realizadas anteriormente.

6b. ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL: TIPOS DE IMÁGENES.

En numerosas ocasiones hemos mencionado que las imágenes son un instrumento muy poderoso para representarnos la realidad y ayudarnos a comprenderla, pero tenemos que ser conscientes que las imágenes no son la realidad, pueden asemejarse a ella de una manera muy significativa pero no son lo que parecen.

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Según el parecido de las imágenes con la realidad puden ser más o menos figurativas, así decimos que son “abstractas” para referirnos a aquellas imágenes que no guardan parecido alguno con la realidad.

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El máximo grado de figuración se corresponde con el hiperrealismo y la mímesis (copia de la realidad).

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TIPOS DE IMÁGENES (SEGÚN SU FUNCIÓN).

Las imágenes pueden tener diferentes cometidos dependiendo del destinatario al que vayan dirigidas. Asímismo, podemos distinguir varios tipos:

Existen imágenes informativas que tienen como fin comunicar a sus receptores algún tema o asunto concreto. Pueden registrarse diferentes modelos, como las científicas, explicativas, testimoniales, etcétera.

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También existen imágenes conmemorativas, de entretenimiento, publicidad, etcétera.

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Y para finalizar con este punto, haremos una brebe explicación sobre las imágenes “obras de arte”.
El hecho de calificar una obra de arte como tal depende del observador. Este es el que la valora formulando su opinión y describiéndola como buena o mala. Hay ocasiones en las que el artista emplea mucho tiempo y pone mucho esfuerzo en realizar su trabajo y, sin embargo, es menospreciado o simplemente recoje lo que no espera o desea.
De cualquier manera debemos tener claro que todos podemos ser artistas y no tenemos que sentirnos influidos por lo que unos cuantos piensen de lo que hemos hecho. La clavé está en realizar nuestro trabajo poniendo el máximo empeño posible y como no, reflejando en él nuestros pensamientos, sentimientos y emociones, para conseguir un producto personal y único.

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6c. ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL: LOS CANALES DE DIFUSIÓN.

1) CANALES DE DIFUSIÓN DE LO VISUAL.

Las imágenes llegan a nosotros a través de una cantidad muy numerosa de medios, algunos de ellos son: los periódicos, las revistas, internet, la televisión, etc. Todo ello influye de una manera directa en cada uno de nosotros y forja nuestra identidad.
Otras imágenes, en cambio, son creadas en el ámbito privado y forman parte de nuestra vida íntima, entre ellas pueden citarse el D.N.I, fotos realizadas en el entorno familiar, radiografías, …

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También es importante mencionar que, en ocasiones, hay personas que no han dado su consentimiento para ser fotografiadas. Ello puede comprobarse diariamente observando en la tele cualquier disputa entre periodístas y famosos, pero somos conscientes que, aunque ello no sea correcto, en la sociedad en la que vivimos lo que vende es el morvo que levanta situaciones de este tipo.

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El bombazo de la distribución de las imágenes privadas de una manera desmesurada vino de la mano de internet. Un ejemplo claro de ello son las imágenes expuestas anteriormente, a parte de verlas por la tele o buscando en una revista ahora con el avance tecnológico pueden verse de una manera más rapida y en cualquier momento, además de ser manipuladas.

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Debemos mencionar que detrás de todo esto existen personas que realizan estas manipulaciones persiguiendo algún interés concreto y cuyo resultado es el continuo a fán de lucro.

2) EL CONTROL DE LOS CANALES.

El control de los medios afecta no sólo a los contenidos que contienen sino el horario en el que se imparten, las personas que intervienen, que es lo que tiene más publicidad, … De lo que debemos estar seguros es que todo ello se promueve por personas que solamente buscan conseguir su provecho.

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Lo importante de todo lo mencionado en estas líneas,y finalizando el tema,es mencionar que la labor del docente es enseñar a los niños no sólo a mirar las imágenes, sino también a profundizar e indagar para tratar de averiguar quien está detrás de todo ello, dado que como hemos visto quedarse en la apariencia no sirve para nada.

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BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA.
– Toda la información ha sido recojida de los apuntes de clase y de mi opinión personal.

CONCLUSIÓN: REVISIÓN GENERAL SOBRE LA ASIGNATURA.

mayo 15, 2009

La EDUCACIÓN ARTÍSTICA es una asignatura de extraordinaria importancia, ya que tiene un gran valor como medio formativo de la personalidad. Su especial significación es muy relevante por muchos motivos. Uno de ellos sería que favorece grandemente el presente y el futuro del niño y del adolescente en cualquier ámbito en que éstos se desenvuelvan, a través de las vivencias que les proporcionará el arte en edades tempranas.
Otro motivo sería aquel que estimula el desarrollo de los alumnos, refiriéndome con esto a todas sus capacidades.
Sin lugar a dudas, la creatividad sería una de las capacidades más notables que se aprende, gracias a ella el alumno desarrolla su pensamiento, imaginación, expresión, y se interesa por la flexibilidad, la fluidez, originalidad, crítica y autocrítica.
La verdad es que tanto la asignatura como su contenido me han sorprendido positivamente. Para mi esta materia siempre ha sido un auténtico “coñazo” al que no le encontraba utilidad ninguna, puede ser porque los profesores que me la impartieron en la escuela de lo único que se preocuparon fue en mandar trabajos absurdos y en dar explicaciones incoherentes a asuntos que a la mayoría no nos interesaban.
Todo lo contrario que este año, por lo que puedo decir que ha sido la asignatura con la que más he aprendido. Gracias a los conceptos que hemos abordado en ella pero también por la manera que ha tenido el profesor de transmitírnoslos.
Me ha enseñado cosas, que aunque siempre las he tenido delante de mis ojos nunca me he parado a pensarlas ciertamente. Como ha pasao con el estudio que hemos venido haciendo de la realidad y de como construímos nuestra identidad a través de las imágenes. Verdaderamente me ha parecido una de las cosas más interesantes que he hecho en mucho tiempo, ya que me ha enseñado a no quedarnos y conformarnos con la apariencia, sino que para llegar a comprender adecuadamente algo tenemos que profundizar e indagar hasta encontar la verdadera raíz o, por lo menos, hasta que encontremos lo ciertamente relevante.
Y por último decir, que debemos ser críticos con todo lo que nos rodea (“ojo crítico”), ya que dado en la sociedad que vivimos hay que tener cuidado para no aguantarnos con lo primero que no ofrezcan, porque puede ser que nos den “gato por liebre”.

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TEMA 8: LA EVALUACIÓN EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA.

mayo 15, 2009

En este archivo he insertado el esquema que compete al presente tema.

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DESARROLLO DEL TEMA.

* ¿POR QUÉ HAY QUE EVALUAR?

Comenzaremos este tema planteando el significado que tiene la palabra evaluación.
La evaluación del aprendizaje es un proceso sitemático y permanente que comprende:
a) la búsqueda y obtención de información de diversas fuentes acerca de la calidad del desempeño, avance, rendimiento o logro del estudiante y de la calidad de los procesos empleados por el docente.
b) la organiazación y el análisis de la información o manera de diagnóstico.
c) la determinación de su importancia y pertenencia de conformidad con los objetivos de formación que se esperan alcanzar.
d) todo con el fin de tomar decisiones que orienten el aprendizaje y los esfuerzos de la gestión docente.

Es uno de los aspectos más importantes en el proceso educativo, en el que los profesores seleccionan o diseñan métodos apropiados a los objetivos de aprendizaje que quieren alcanzar.
Además, los profesores tienen en cuenta la diversidad, complejidad y sofisticación de las formas que cada niño desarrolla y demuestra su comprensión.
El principal objetivo de evaluar el aprendizaje y el rendimiento de los alumnos es dar información a:
– los alumnos, para fomentar el comienzo de un proceso de aprendizaje que durará toda la vida.
– profesores, para apoyar su reflexión acerca de qué enseñar y cómo enseñarlo.
– padres, para que estén informados acerca del aprendizaje y desarrollo de sus hijos.
Pero evaluar es mucho más que medir el rendimiento de los alumnos, ya que mejora:
– los procesos de enseñanza-aprendizaje
– la programación
– el aprendizaje de los alumnos.

Por ello, no debemos evaluar al alumno porque forme parte de la labor del docente, sino que tenemos que buscar en todo momento informar y ayudar al alumno sobre como va su apendizaje. De esta manera, el alumno se verá motivado, ya que considera que su profesor se preocupa por él, y pondrá todo su esfuerzo y empeño en mejorar.

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* FASES DE LA EVALUACIÓN.

1.- Inicial.
Permite conocer los conocimientos previos de los alumnos. Con ello podemos conocer el nivel y la información que tienen acerca de algo, y así comenzar la enseñanza por uno u otro punto. También permite conocer como han aprendido los niños lo que saben y comprobar si ha dado resultado.

2.- Formativa.
Es continua. Permite saber todo lo que sucede respecto al aprendizaje de los alumnos, es decir, conocer los problemas que han podido tener a la hora de comprender o entender algún concepto o tema y el origen de tales problemas.
Esta fase posibilita corregir y mejorar tanto al alumno como al docente y si fuese necesario se cambiaría el proceso educativo, ya que lo que se pretende no es sancionar o castigar a los niños sino ayudarlos a que mejoren, y esto no es posible si no se solucionan sus problemas.

3.- Sumativa.
Es la valoración final, es decir, se trata de una síntesis que nos permite saber si los alumnos han alcanzado o no los objetivos previstos y así pasar de curso.

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* CUATRO CONCEPCIONES SOBRE EVALUACIÓN.

Estos conceptos han sido propuestos por Hernández en 2000 y debemos tenerlos presentes siempre que evaluemos a nuestros alumnos.

– Debemos tranferir el conocimiento a situaciones que se nos presentan como nuevas, ya que dado que vivimos en una sociedad de cambio hay que seber transferir toda la información que sabemos a aquellas situaciones que no paran de cambiar. Nos encontramos en la sociedad de la información que trata de avanzar hasta la del conocimiento, lo importante es adquirir una gran pluralidad de conocimientos para luego poder usarlos.

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– Es necesario plantearse problemas y proyectarse estrategias para resolverlos, para lograr avanzar y no conformarse con lo más fácil.

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– Tienen más importancia los procesos de aprendizaje que el propio resultado final, puesto que lo verdaderamente relevante es el desarrollo que hayan tenido los alumnos durante todo el año de enseñanza.

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– El saber se transforma en conocimiento. Es necesario aprender a aprender, la vida va evolucionando y con ella las cosas. Lo que hoy nos parece impensable el día de mañana será lo más normal del mundo.

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* ¿QUÉ EVALUAMOS?

A) Lo que nunca debemos hacer al evaluar es:

– Calificar a las personas porque nadie tiene ese derecho. Con ello estamos fomentando actitudes negativas entre los alumnos.
– El examen nunca debe ser tomado como la calificación final. Los niños cambian y si de primera entrada los invitamos a abandonar porque no han aprobado el examen, estamos contribuyendo a que no desarrollen su aprendizaje satisfactoriamente.
– No debemos comparar a los alumnos porque cada persona es diferente y única. Las comparaciones son odiosas y si se hacen deben de atender al trabajo, nunca al ámbito personal.

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B) Es necesario fundamentar nuestros criterios de evaluación.

Lo primero que tenemos que tener claro son los conceptos que queremos que aprendan nuestros alumnos, es decir, debemos atender a las competencias y los conceptos que queremos alcanzar, para ello tenemos que saber que es lo queremos enseñar para posteriormente establecer unos criterios de evaluación.

Los criterios más adecuados son los siguientes:
– Competencias generales y criterios básicos (como los de Fernando Hernández).
– Tener en cuenta los criterios que vienen en la ley y en el diseño curricular.
– Completarlos con criterios de evaluación y calificación adaptados a los alumnos y a nuestro contextos. Éstos proceden de nuestras ideas propias y espectativas, son personales.
– Matizarlos mediante la información que nos dan libros, cursos, etcétera, sobre la materia.

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También es necesario establecer unos criterios comunes para todas las actividades:
– Adecuada presentación de los trabajos.
– Utilizar técnicas y procedimientos de manera razonable.
– Transferir conocimientos a nuevas situaciones.

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Debemos tener en cuenta que lo que queremos pedirle a los niños debe corresponderse con la edad, el nivel educativo y el contexto de los alumnos. Hay que ir más allá de lo que se enseña en los libros, ya que a veces pueden tener un contenido demasido aburrido que pueden fastidiar a los alumnos estimulándolos a la desmotivación.

Debemos de evaluar: los datos, las actitudes, los conceptos y los procedimientos.

– Los datos son necesarios no suficientes. Tenemos que tener constancias de ellos, tenemos que conocerlos, pero también es necesario percatarse de si los alumnos los han entendido sinceramente o, de lo contrario, los han memorizado. Lo más importante es comprender la obra, de la otra manera los datos no nos servirían de nada.

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-Los conceptos no son útiles por muy bien memorizados que estén, con el tiempo se olvidan y a fin de cuentas es como si no hubieras aprendido nada.

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– La actitud, que es la predisposición de la persona a responder de una manera determinada frente a un estímulo tras evaluarlo positiva o negativamente.
Las actitudes constituyen el concepto más complejo de evaluar. Las que tenemos que tener en cuenta son: interés, esfuerzo, solidaridad con los compañeros, etcétera. Y también actitudes propias de Educación Artística como:
* Capacidad de análisis y comprensión crítica de la realidad, para poder tener un punto de vista divergente.
* Actitud de buscar e investigar a través de todos los medios que tengamos a nuestro alcance, con el objetivo de indagar y obtener más información para obtener un trabajo más completo, interesante y satisfactorio.
* La creatividad es la actidud más importante y a la vez la más complicada. Favorece el pensamiento complejo y divergente, es decir, de nuevas ideas o conceptos, o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que tienen como fin producir soluciones originales.
Los tres grandes sentidos del concepto son:
– Acto de inventar cualquier cosa nueva (Ingenio).
– Capacidad de encontrar soluciones originales.
– Voluntad de modificar o transformar el mundo.
Ser creativo es fundamentel para desarrollar una personalidad sana.

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Para evaluar la creatividad hay que tener en cuenta:
– Tiene que responder a lo que se les pide a los niños, resolviendo problemas.
– Originalidad
– Expresión

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– Los procedimientos en Educación Artística son muy importantes. En el momento en que falla la objetividad la evaluación se vuelve más complicada, ya que hay que tener en cuenta muchos factores que son distintos. Los más relevantes son la búsqueda de información, el diálogo, etcétera.

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* DOS MANERAS DE EVALUAR.

Evaluar instrumentos puntuales.
Teniendo en cuenta los exámenes, las entrevistas, cuestionarios, … Y también, y esto hay que destacarlo, los trabajos que se realicen (obras) que son muy importantes porque permiten conocer al profesor la manera que tienen sus alumnos de trabajar, ya sea individualmente o en grupo.

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Instrumentos que recogen un proceso.
Los más conocidos son el cuaderno del alumno, que permite exponer las ideas libremente y dar voz a los alumnos, y el cuaderno del profesor.
Es muy interesante el portafolio, que construye una estrategia de aprendizaje exponiendo la evolución conseguida.

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Sea cual sea el instrumento que utilicimos, es fundamental convinar aquellos que midan aspectos diferentes, así nuestro juicio de evaluación será más fiable y razonado.

* PUEDEN PARTICIPAR LOS ALUMNOS.

El que los alumnos aprendan a evaluar constituye una herramienta muy importante para un aprendizaje que les será útil durante toda la vida. Ello pueden hacerlo de tres maneras:
– La Autoevaluación
– Evalución conjunta
– Evalución en grupo
– Triangulación, que consiste en recoger información desde diferentes puntos de vista, comparando una misma evaluación y sometiéndola a análisis.

El hecho de que los alumnos participen en la evaluación tiene dos ventajas:

1.- Alumno se vuelve más responsable, ya que al tener que calificar su trabajo se lo toma más enserio.
2.- Docente tiene una información más amplia.

Puede darse el caso de que algunos alumnos decidan no seguir con su trabajo y abandonarlo, ello debe ser tomado como algo positivo, ya que el profesor tiene la obligación de animar a estos niños a aprender de su error y comenzar a hacer un trabajo nuevo mucho más provechoso y extraordinario.

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PROPUESTA DIDÁCTICA.

Me basaré en el primer ciclo de Primaria para estudiar los criterios de evaluación. Éstos serían los siguientes:
1.- Fomentaría el trabajo en grupo, ya que desde que los alumnos son pequeños deben ser enseñados a ver el compañerismo como una herramienta imprescindible, no sólo aplicada en la escuela sino en toda en la vida.

2.- Les pediría que detallaran todo aquello que les rodea y que para ellos es relevante.

3.- Les propondría que se describieran a ellos mismos, utilizando todo tipo de lenguajes (visual, oral, escrito, …).

4.- Les invitaría a trabajar con técnicas y materiales como la plastilina, para que poco a poco vayan desarrollando su capacidad creativa.

5.-Y por último, valoraría positivamente el entusiasmo, la motivación, el interés y el afán por aprender.

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BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA.
http://www.ibo.org/es/pyp/slidec.cfm
http://www.fundacionsepec.cl/estudio/01_AEP
http://www.tendencia21.net/conocimiento/transferencia-del-Conocimiento-I_as.html
– proyectosfindecarrera.com

TEMA 7: MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA.

mayo 14, 2009

En este archivo adjunto el esquema que pertenece a este tema, en el cual me apoyaré para realizar su exposición.

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DESARROLLO DEL TEMA.

Comenzaremos con el tema haciendo una aclaración sobre que función tiene la Educación Artística en la escuela, observando su evolución desde sus antecedentes históricos hasta nuestros días.
En principio y durante veintidós siglos de historia de la humanidad (V a. C., al XVII d. C.), al tratar de colocar el arte al servicio de la educación no se pensó en el educando (niño, adolescente), sino sólo en los aspectos técnicos. En música se les enseñaba casi exclusivamente a cantar y a tocar algún instrumento: no se les enseñaba a oír. En artes plásticas se les hacía copiar las obras de los grandes maestros (estampas y esculturas) y, como es natural, sólo los bien dotados podían trabajar con este sistema: no se les enseñaba a ver.
A partir del siglo XVII, psicólogos y pedagogos ilustres como Juan Amos Commenius, John Lock y J. J. Rousseau, hicieron notar que el arte puede servir como un elemento educativo, destacándose con ello sus dos valores: el artístico-creador-emotivo y el psicopedagógico-expresión-comunicación, insistiendo en la idea de que, siendo medios de comunicación, deben aprenderlos todos, así como se hace con el lenguaje oral y escrito.
Es entonces cuando realmente se empieza a despertar la idea del respeto al desarrollo individual en el terreno educativo, tanto en la concepción como en la apreciación de una manifestación estética y, lo que es más importante, considerar a esta manifestación como parte de una expresión libre, y no como la repetición inútil de cánones estereotipados.
Actualmente la Educación Artística en el nivel básico se encuentra relegada; se les da prioridad a las otras materias y, de acuerdo al programa, si queda tiempo se dedica a actividades artísticas. Los docentes carecen de una preparación especial en esta área y no existen profesores dedicados específicamente a impartirla, como en el caso de la educación física. La pintura, la danza, la música y el teatro quedan limitados a muy pocos niños que asisten a talleres o institutos especiales, los que no en todas las ocasiones realizan la enseñanza de acuerdo con la pedagogía del arte infantil y la mayoría de éstos cobran por sus servicios.
Los objetivos más importantes de esta asignatura son los siguientes:

– Uno de sus propósitos fundamentales es el desarrollo de la capacidad creadora, estimulando el pensamiento divergente y valorando la originalidad y las respuestas de independencia intelectual.

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– La libertad es un valor altamente estimado, enmarcada dentro de límites que ubican a los niños en el ámbito social y les brindan la seguridad de ser respetados y de respetar a los demás.

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– El valor principal se encuentra en el proceso de la actividad artística y no en el producto.

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– Busca un desarrollo estético, propiciando experiencias que lleven al niño a madurar sus propias formas de expresión y a captar la belleza que existe en la naturaleza y que puede surgir de sí mismo, en los colores, las formas, los movimientos, los sonidos inmersos en un ritmo y en un equilibrio que proporcionan placer estético y serenidad al espíritu.

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– Promueve el desarrollo de una imagen positiva de sí mismos en los niños, alentando su confianza en los propios medios de expresión.

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En lo que respecta a la función del docente es necesario destacar que es fundamental, ya que debe ser totalmente congruente en relación con todos los elementos mencionados al contactar a sus alumnos con cualquier actividad artística. El maestro, más que el ser “que sabe todo”, debe convertirse en un buen conductor y orientador del grupo, que enseña a aprender.
Es muy probable que se requiera modificar bastante la actitud: no dar órdenes o establecer normas rígidamente, sin explicaciones; tampoco el maestro debe imponer su criterio, debe ser flexible y tomar en cuenta las opiniones del grupo; debe ser un animador que ayude al grupo a funcionar; estar abierto al cambio, retomar y analizar las ideas que proporcionan los alumnos, aún las que parezcan más “absurdas” o “imposibles”.

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Son cuatro las modelos que se presentan para estudiar la Educación Artistica, cuya clasificación se realiza de acuerdo con su orden cronológico de aparición.

* MODELO A) EDUCACIÓN ARTÍSTICA BASADA EN EL PROCESO, VINCULADA AL SISTEMA PRODUCTIVO.
Nace en el siglo XVIII, es el modelo más antiguo.
Se basaba en aprender a dibujar. El dibujo es lenguaje del que proyecta, con él se hace entender universalmente, ya con representaciones puramente geométricas destinadas a personas competentes, ya con perspectivas para los profanos. También se puede decir en otras palabras que es una representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño propuesto para construcción posterior.
El dibujo puede clasificarse en dos tipos.
– El Artístico, es aquel que utiliza dibujos para expresar ideas estéticas, filosóficas o abstractas.

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– El Técnico, es el procedimiento utilizado para representar topografía, trabajo de ingeniería, edificios y piezas de maquinaria, que consiste en un dibujo normalizado. Su utilización es importante en todas las ramas de la ingeniería y en la industria, y también en arquitectura y geología.

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El objetivo de este modelo es lograr que el alumno aprenda destrezas y procedimientos, es decir, podrá conseguir una mayor habilidad para realizar un dibujo a medida que use los métodos utilizados para ejecutarlo. Y su fundamento se basa en el “mimetismo”, en reproducir y copiar modelos o la propia realidad.

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De esta noción antigua hay aspectos que podemos utilizar hoy día. Por ejemplo, los niños pueden aprender a usar materiales con el fin de realizar sus dibujos buscando no el dibujo perfecto sino uno que sea auténtico y personal, para ello necesitan al profesor para que los oriente porque si ponen, en un supuesto caso, veinte capas de tempera ésta se caerá. Y también aprenderán la autodisciplina en las tareas, es decir, el tipo de orden que asignando al trabajo dentro de un grupo permite tener logros muy importantes.

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El trabajo con actividades artísticas tiene un aporte muy importante en el desarrollo del niño.

– Favorecen y estimulan el desarrollo de la psicomotricidad fina y gruesa del chico, lo cual redundará en un mayor control de su cuerpo, proporcionándole seguridad en los propios poderes y elementos para la adquisición de la lecto-escritura.

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– Ayudan para las experiencias de aprendizaje escolar, motivando el desarrollo mental, ya que con éstas se aprenden conceptos como duro/suave, claro/fuerte, etcétera. Se ejercita la atención, la concentración, la imaginación, las operaciones mentales como la reversibilidad (al considerar varias formas para resolver una situación), la memoria, la observación, la iniciativa, la voluntad y la autoconfianza; ésta última, como un resultado de la constatación por parte del niño de todo lo que puede realizar, lo cual se traducirá en un concepto positivo de su persona, que generalizará a las actividades académicas.

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– Benefician el desarrollo socioemocional del niño al propiciar la aceptación de sí mismo con sus posibilidades y límites. Esta aceptación va íntimamente ligada al concepto que tenga de sí, el cual determinará su comportamiento presente y futuro: el niño se conducirá de acuerdo con quien cree que es. Desgraciadamente, muchos padres les reflejan a sus hijos una imagen negativa de su persona y, en este sentido, el arte juega el papel de un reparador para esta imagen deteriorada, manifestándose así una de sus grandes cualidades que es la terapéutica.

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– Al trabajar en el seno de un grupo, el niño se enfrenta a múltiples ocasiones de interrelación en las que se conjugan el trabajo individual y el colectivo en un continuo dar y recibir, pedir y ceder, dirigir y seguir, compartir, cooperar y comprender las otras individualidades con sus diferencias y necesidades. Se favorece de esta manera el desarrollo moral .

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– Se cultivan y desarrollan también los sentidos del niño, promoviéndose así el desarrollo perceptivo. El espacio, las formas, los colores, las texturas, los sonidos, y las experiencias visuales incluyen toda una variedad de estímulos para la expresión. Los niños que rara vez se sienten influidos por las propias experiencias perceptivas, demuestran poca habilidad para observar y poca agudeza para apreciar diferencias entre los objetos.

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– Favorece enormemente el desarrollo creador del niño, motivando la fluidez, la originalidad, la independencia, la crítica y la autocrítica. Al crear se ponen en juego habilidades de análisis, de selección, de asociación y de síntesis, así como las experiencias y conocimientos del niño; todo lo cual da lugar a un producto nuevo, que ha adquirido vida por la voluntad y actividad de éste.

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Los inconvenientes que presenta este modelo pueden resumirse en los dos puntos siguientes:
– El dibujo, es una herramienta de trabajo útil pero no es necesaria.
– Lo importante no es hacer cosas bonitas (al menos en algunos momentos) sino que estén bien acabadas.

* MODELO B) EDUCACIÓN ARTÍSTICA PARA LA CREATIVIDAD Y LA AUTOEXPRESIÓN.
Nace a principios del siglo XX y tiene mucha importancia después de la Segunda Guerra Mundial que marca la creación del concepto estético.
Está basado en la autexpresión, que fomenta el que los niños se expresen libremente, sin miedo. Y se apoya en los nuevos modos de pintar de las vanguardias y en mitos como el de Van Gogh (aunque no fuera autodidacta).

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También se basa en descubrir el arte infantil, es decir, el dibujo de los niños es espontáneo y los adultos no deben intervenir, pero esto constituye una falsedad porque los niños realizan sus dibujos fijándose en estereotipos.

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Los estadíos del dibujo nos sirven de orientación, es necesario estimular a los niños y si hay que cambiar la forma de pintar pues se cambia. “Los artistas no nacen se hacen”.

Hay que mencionar que este modelo se fundamenta en conceptos que son contradictorios:
– Las cosas no son creativas son necesarias. Por ejemplo, Alexander Graham Bell inventó el teléfono no por hacer algo creativo sino porque le hacía falta.

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– Si dibujar es un don entonces, ¿para qué vamos a enseñar a aquellos que no lo tienen? Esto es totalmente incorrecto porque toda la persona que se lo proponga puede aprender a dibujar.

Los aspectos más importantes de este modelo y los que podemos utilizar en la realidad son:
– Debemos impulsar a los niños a que sean creativos y a que se expresen con naturalidad, pero a partir de lo que piensan no de lo que diga el profesor.
– A través del dibujo y las artes los niños pueden contarnos su historia, hay que darles libertad para narrar.
– Las artes desarrollan en nosotros un pensamiento divergente y crítico que es imprescindible para el ser autónomo y libre.
– Tenemos que fomentar a los niños a que sean creativos para que busquen soluciones a sus problemas de una manera reflexiva.

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El error más importante de este modelo es considerar que los niños se expresan expontáneamente, ya que son los adultos los que les hacen trabajar mostrándole la información y los utensilios que necesitan para ello.

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* MODELO C) EDUCACIÓN ARTÍSTICA PARA EL DESARROLLO DE LA PERCEPCIÓN Y LA ALFABETIZACIÓN VISUAL.
Surge con la LOGSE y sigue estando muy presente en la LOE.
Se basa en la cientificidad de la materia, para ello es imprescindible que los niños aprendan el lenguaje visual de la misma manera que aprenden el lenguaje oral y escrito con todos los elementos que lo forman, para así poder utilizarlo de un modo adecuado. También sostiene que hay que educar a los alumnos para que sepan educar las imágenes, dado que al vivir en una sociedad de consumo éstas nos van a influir totalmente y en todos los aspectos de nuestra vida. Y, por último expone que los niños deben concer un “alfabeto visual” con el que desarrollen una visión crítica acerca de todo lo que les rodea.

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Sin embargo, a peasr de estos aspectos fundamentales que el niño debe aprender este modelo plantea problemas severos:
– El arte no es un lenguaje porque no funciona como tal, es decir, no funciona de una manera mecánica.
– Las personas no somos consumidoras de imágenes, construímos la realidad a través de ellas, sobre todo construímos la definición que las imágenes hacen de cada uno de nosotros.
– La “lectura” de imágenes no tiene utilidad ninguna, ya que lo verdaderamente relevante es el contexto de la obra porque es lo que nos da la información, la obra en sí no dice nada.
Por ejemplo, para llegar a comprender el significado de estas obras de Van Gogh tendremos que conocer el contexto en el que se hicieron e investigar, ya que la imágen por si sola no transmite nada extraordinario. También es importante un conocimiento ligero de lo relevante.

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De este modelo podemos aprender, básicamente, que es significativo aprender los elementos del “lenguaje visual”, ya que a través de él podemos conocer mejor el origen de una obra.

* MODELO D) EDUCACIÓN ARTÍSTICA PARA LA COMPRENSIÓN CRÍTICA Y PERFORMATIVA DE LA CULTURA VISUAL.
Surge a finales del siglo XX.
Se basa en los siguientes puntos:
– Buscar una Educación Artísrica más significativa, investigando cuales son las cosas importantes para los alumnos y tratándolas en el aula, y más abierta, que abarque todos los conocimientos visuales.
– Sostiene que no se trata de “leer” una imagen sino de reflexionar sobre ella comprendiéndola críticamente, para ello hay que fomentar en los alumnos el espíritu de investigar e indagar, para que no se conformen con lo primero que ven y oyen.
– Expone que el alumno no es consumidor de imágenes, las imágenes construyen la realidad y, sobre todo, el concepto que uno tiene de sí mismo.
– Lo importante es aprender a usar el dibujo, no aprender a dibujar bien, para expresarse, narrar, contar cosas ya sean reales o imaginarias, lo importante es hacerlo con claridad.

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Este último dibujo ha llamado expecialmente mi atención ya que explica la Guerra Civil a los ojos de un niño. Como podemos saber el dibujo es más que algo con lo que podemos divertir a los niños, puesto que también podemos usarlo con fines terapéuticos.

Para este modelo cualquier imagen puede ser analizada , ya que todas son extraordinarias estéticamente. Para comprenderlas es necesario conocer los contextos en las que surgen y reflexionar sobre ellos. Tenemos que enseñar a los alumnos a buscar y manipular la información desde pequeños.

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Para aprender a comprender es necesario aprender a hacer y crear, ya que son dos conceptos que están ligados mutuamente en Educación Artística. Para entender el significado de un dibujo, por ejemplo, hay que dibujar si no de nada nos sirve la observación.

Este ha sido el modelo que hemos utilizado en la asignatura pero también ha sido importante tener en cuenta aspectos de los otros modelos anteriores. Lo que tenemos que tener claro es que en la escuela se forman futuros adultos, por lo que dependiendo de lo que se les enseñe desde niños serán de mayor personas libres, autómas, capaz de tener una opinión propia y crítica o, de lo contrario, serán títeres que sólamente reproducen lo que oyen.

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PROPUESTA DIDÁCTICA.

Este tema lo llevaría a la práctica con los alumnos del segundo ciclo de Primaria.
La actividad que me parece más interesante para abordar este contenido la plantearía como un juego en el que todos nos divertimos. El objetivo de la tarea estaría en comprender el concepto de las imágenes y ver cómo influyen en cada uno de nosotros. Para ello, les preguntaría antes de nada si saben lo que es una imagen y comparando las diferentes opiniones trataríamos de buscarle un significado entre todos.
El siguiente paso sería pedirles que el próximo día de clase todos trajeran todas las imágenes (fotos de revista, internet,periódicos, etcétera) con las que cada uno se sintiera identificado. Con ello, se les está animando a buscar información y a investigar sobre ellos mismos.
Una vez los niños hayan traído su conjunto de imágenes pasaremos a ver qué significado tienen para cada uno de ellos. En esta última parte de la actividad los alumnos podrán comprobar que las imágenes influyen directamente en nuestra vida y, sobre todo en el concepto que cada uno se forja de sí mismo y en la visión que tenemos acerca de la realidad, una visión que aunque sea diferente en la gran mayoría de los casos todas constituyen una perspectiva válida, auténtica y verdadera.

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BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA.
http://www.educar.jalisco.gob.mx/15/15martin.html
http://www.andinia.com/a04257.shtml
http://www.wordreference.com

TEMA 6: LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO.

mayo 14, 2009

En el siguiente archivo incluyo el esquema correspondiente a este tema, el cual tomaré como guión para la exposición del mismo.

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DESARROLLO DEL TEMA.

Son dos puntos principales los que trataré como fundamentos de este tema. En primer lugar, hablaré de las IMÁGENES , entendiéndolas como todo aquello que es fruto de la combinación de los rayos luz y percibimos a través del sentido de la vista.
Las imágenes influyen en la sociedad, en nuestra cultura (que será determinante en el momento de percibir una cosa de una u otra manera o con uno u otro sentido), en la moda, pero sobre todo influyen en cada uno de nosotros de manera individual.
Aunque parezca mentira, somos unos “títeres” de lo que vemos. Por ejemplo, todas soñamos con tener cuerpos perfectos y vernos fantásticas, sobre todo ahora que se acerca el verano. Y, ¿por qué? la respuesta es bastante simple, basta con encender la televisión o hechar un vistazo a cualquier revista de moda en las que aparecen modelos con cuerpos esculturales y, aparentemente, perfectas. Eso es lo que vende la perfección, lo demás no cuenta.
Las imágenes constituyen el principal referente a la hora de construir nuestra personalidad y nuestras señas de identidad, ya que forman el concepto que cada uno tiene de sí mismo. Queremos lo que vemos, aquello con lo que día tras día nos bombardean visualmente.
Prueba de ello dan las siguientes ilustraciones:

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Vivimos en la sociedad de la apariencia, de lo que se nos presenta a simple vista. Y no nos damos cuenta de que hay aspectos más importantes que el físico, como el interior que es la parte en la que pueden apreciarse, realmente, las cualidades y la belleza de una persona que, a fin de cuentas, es lo que más vale…

Una vez comentado brevemente este punto pasaremos al próximo: LO VISUAL.

A) Es preciso huir de las “Interpretaciones Correctas”.

No a todas las cosas o situaciones que puedan presentarse en nuestra vida podemos darle una única explicación “correcta”. Existe una infinidad de interpretaciones y todas son igualmente válidas y aceptables.
En esto nos ha influido bastante la escuela, puesto que no resulta extraño para nadie que en ella nos han dado explicaciones referidas a los pensamientos de unos cuantos. Sin embargo, a pesar de ello somos conscientes de que la realidad no se ciñe a tales pensamientos sino que va más allá, porque independientemente de éstos todos tenemos una manera de pensar diferente en función de la ideología que tengamos (entendiéndola como un conjunto de ideas con una particular concepción de las cosas), de la cantidad de información y, sobre todo, de la cultura en la que estemos integrados. Todos trabajamos con interpretaciones posibles, la clave está en que estén bien fundadas.
Por ejemplo, un niño musulmán no puede pensar lo mismo que un niño español respecto al matrimonio, ya que ha nacido en una cultura basada en unos principios y unos valores diferentes a los nuestros.
Y como con esto pasa con todo, dependiendo de donde estemos situados socialmente y de donde pertenezcamos culturalmete nuestros pensamientos serán unos u otros.
Lo adecuado sería dar voz al alumno para que pueda exponer sus ideas y razones, ello acompañado de plantear cuestiones por parte del profesorado, daría como resultado alumnos críticos con puntos de vista divergentes.

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B) Las Artes son “Materias mal Estructuradas”.

Sería interesante comenzar el análisis de este punto partiendo de la definición de Arte, ya que de esta manera nos será más fácil esclarecer el tema a tratar.
El Arte es la actividad que requiere de un aprendizaje y a su vez puede limitarse a una habilidad técnica; como al mismo tiempo ampliarse hasta el punto de incluir una visión particular del mundo. Al mismo tiempo, implica un aspecto más subjetivo porque, desde ya es una disciplina subjetiva.
El Arte involucra tanto a las personas que lo practican como a aquellas que lo observan, dado que la experiencia que vivimos a través del mismo puede ser de tipo intelectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos.

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Aunque nos resulte difícil creelo, la definición de Arte establece un paralelismo con la ciencia. Se asugura que tanto el Arte como la ciencia requieren de una habilidad técnica, es decir, tanto los artistas como los científicos tratan de impartir siempre un orden partiendo de sus experiencias vividas. Ambos pretenden comprender el universo en el que habitan y se desarrollan, hacen una valoración de él y transmiten lo que interpretan a otros individuos; de todas formas no podemos establecer una paridad entre ellos, ya que existe una diferencia esencial entre ambos: los artistas seleccionan las percepciones cualitativamente y luego las ordenan de manera que manifiesten su propia comprensión cultural como personal, mientras que los científicos estudian las percepciones de los sentidos de manera cuantitativa y así es como descubren leyes que reflejan una verdad universal y única. Otra de las principales diferencias es la posibilidad de refutar; mientras que los científicos pueden invalidar leyes o teorías a través de investigaciones, las obras de arte poseen un valor permanente, aunque cambie el punto de vista del artista o gusto del público.

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Con todo esto podemos concluir diciendo que las Artes constituyen una ciencia débil, ya que no siguen unas reglas determinadas. A diferencia de las Matemáticas, por ejemplo, que siempre dan lo mismo debido a que constantemente siguen la misma estructura. Por tanto, para el completo entendimiento de las primeras resulta muy apropiado el “estudio de casos”, que consiste en aprender una serie de estrategias a través de la investigación cualitativa. Todas las obras no pueden observarse desde la misma perspectiva, dependiendo del autor que las realizó tendremos que tener en cuenta unos aspectos u otros. Considerando todo ello podemos llegar a entender y a utilizar el arte.

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C) El conocimiento complejo.

Las obras son igual de complicadas que el conocimiento y la realidad que nos rodea, para poder comprenderlos tenemos que tener en cuenta el contexto, es decir, el conjunto de circunstancias que condicionan o redean al hecho.
Desde que somos pequeños asimilamos que el conocimiento y los conceptos que tenemos que aprender se desarrolla en la escuela. Pero hasta que no vamos creciendo no nos damos cuenta de que este sistema se limita a unos libros de texto (no actualizados) y al maestro (que es el que lleva la voz cantante). El alumno, en cambio, no tiene ni voz ni voto. Su papel se limita a aprender los conocimientos que le enseñan sin más, y esto es algo negativo. Lo ideal sería construir cerebros en la escuela, contando con los libros pero sólo como apoyo, mediante la contrastación de varias fuentes y, sobre todo, haciendo partícipes a los niños en todos los temas.

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D) El valor cognitivo de las artes.

Como hemos mencionado en líneas anteriores, las Artes son un instrumento de gran utlidad para explicar la realidad y dar información del mundo en el que nos movemos, ya que los conocimientos y las experiencias que aprendemos durante toda la vida no son más que el resultado de lo que percibimos visualmente.
Son cuatro los argumentos cognitivos que Efland propuso en 2005 a favor de las Artes:

1.- Argumento de la flexibilidad cognitiva.
El arte permite narrar de una manera diferente a la que nos ofrece el lenguaje oral o escrito. Esta diferencia no constituye un impedimento a la hora de exponer algo que nos interesa, sino que hace posible contar lo mismo que se pueden decir con las palabras sólo que de una manera especial. Por ejemplo, en el cine mudo a pesar del silencio de los actores todos somos conscientes de los sentimientos y las sensaciones que tienen cada uno de ellos en cada momento, al igual que ocurre cuando leemos una novela.

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2.- Argumento de la integración del conocimiento.
Hace al alumno crear su propio conocimiento y compartirlo con el del maestro y con los del resto de sus compañeros, haciendo posible, así, la comprensión de la realidad a partir de puntos de vista diferentes.
Es importante mencionar, que no debemos conformarnos nunca con la primera explicación que se nos da respecto a algo, lo idóneo es que cada uno de nosotros cree una propia que esté bien fundamentada.

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3.- Argumento de la imaginación.
La imaginación es una herramienta esencial, aplicable no sólo en la escuela sino también en muchas ocasiones de la vida, como hacer de comer, organizar fiestas etc.
Newton fue un ser creativo al decir que se le cayó una manzana en la cabeza como principio para crear la ley más importante de la Física, la “Ley de la gravedad”.
Tenemos que enseñar a los niños a ser creativos y a que pierdan la vergüenza para que puedan expresar sus sentimientos de manera natural y resuelvan más fácilmente los problemas.

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4.- Argumento estético.
Queremos transformar el mundo en base a la apariencia, buscando en todo momento la perfección de la que nos atiborran continuamente. La estética es muy importante, sobre todo para las mujeres, somos coquetas y queremos vernos guapas por eso utilizamos todo tipo de productos de belleza: cosméticos, cremas, etc.

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Como conclusión decir que las imágenes y todo lo visual, constituyen mecanismos de aprendizaje muy realistas, ya que muestran el mundo tal y como es, sin sombras, con el único objetivo de llegar a comprenderlo.
Resultaría muy adecuado trabajar a partir de cuestiones complejas porque nunca debemos conformarnos con lo primero que se nos presenta y mediante la indagación y la investigación podemos descubrir cosas. La clave estaría en organizarnos adecuadamente: primero fundaríamos nuestras opiniones, después buscaríamos información y, por último, negociaríamos con ellas.

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PROPUESTA DIDÁCTICA.

El contenido que aborda este tema lo utilizaría con el segundo ciclo de Primaria, ya que considero demasiado pequeños a los alumnos del primer ciclo para que comprendan con exactitud lo relevante del asunto.
La actividad que planteo se fundamentaría en comprender que aunque todas las opiniones y las vivencias que cada uno tenga puedan ser diferentes, todas son igualmente válidas.
Haré la explicación de este tema apoyándome en un concepto tan importante como es el de la cultura, con el fin de conseguir en los alumnos la no discriminación a los no iguales físicamente .
Comenzaré la clase preguntando a los niños si saben lo que es la cultura y cuántas clases de cultura hay. Para ello, les propongo que traigan el próximo día tanta información (tanto visual como escrita) como puedan encontrar sobre este tema.
Cada niño traerá un reportaje diferente, el cual llevaremos a debate para ver que piensa cada uno acerca de las personas que tienen una cultura distinta a la nuestra.
Con este debate quiero transmitir a los alumnos que aunque cada cultura tiene unas costumbres, unos valores y unos principios característicos, las personas que en ellas se integran tienen un pensamiento tan correcto como el nuestro, a pesar de ser diferente. Ya que todos los puntos de vista y opiniones son correctos y vienen marcados por el lugar en el que nacemos, dependiendo del lugar en el que estemos situados en el mundo nuestras maneras de pensar van ser dispares. Pero por ello no van a ser erróneas, sino igual de aceptables que las del resto.

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BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA DEL TEMA.
-www.wordreference.com
-www.aporrea.org
-www.abcpedia.com

LOS 40 PRINCIPALES.

mayo 6, 2009

En el siguiente archivo adjunto el trabajo de “Los 40 principales” referido a artístas de la pintura, ordenados por orden de preferencia personal.

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TEMA 5: VISUALIDAD E IDENTIDAD. VISUALIDAD Y NARRATIVA

febrero 11, 2009

1) Imaginarios.

La realidad está dominada por el mundo de las imágenes. Éstas tinen una influencia capaz de manipular nuestros sentimientos más profundos, de levantar nuestro ánimo o de lo contrario hundirnos por completo. Construímos nuestra identidad a través de las imágenes, a través de lo que perciben nuestros ojos.
Cuando vemos un reportaje sobre modelos, por ejemplo, a la mayoía de nosotras nos gustaría vernos como ellas. ¿Por qué? ¿Por qué no estamos agusto con nosotras mismas?
La pregunta tiene un significado muy concreto basado en la sociedad. En la actualidad reina la perfección, la mujer hermosa, atractiva, sexy. Aparece en cualquier eslogan de publidad, en cualquier anuncio de televisión. Pero en cambio, ¿vemos muchas por la calle? seguro que ni un tercio de la gente con la que te cruzas diariamnte se corresponde con ellas.

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La realidad debería cambiar, debería transformarse. Dirigir los productos a mujeres “normales y corrientes” y dejar de vender cosas que sabemos perfectamente sólo forman parte de la ficción.

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2) La identidad es uno de los aspectos fundamentales para trabajar en la escuela.

La misión del docente estaría encaminada, entre otras cosas, a ser un guía para el alumno, debería orientar su pensamiento hacia lo real y verdadero y no a un mundo que sólo aparece en nuestros sueños. De esta manera el niño construiría una identidad propia, personal, pero por el mismo. Teniendo en cuenta sí, lo que le viene de fuera pero valorando únicamente lo verdadero que hay en ello.

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Venecia, 1989

Comenzaremos este tema aclarando el significado de patrimonio, a partir de éste aclararemos mucho mejor lo explicado a continuación.

Patrimonio es el conjunto de bienes y obligaciones de una persona considerados como una universalidad de Derecho, una unidad jurídica. El patrimonio es un receptor universal, que no varía por las modificaciones a su contenido.
En Derecho civil se conoce como teoría del patrimonio, a aquella que define y estudia el concepto de patrimonio y su participación en las distintas relaciones jurídicas entre personas. Estos conceptos expuestos por diversos tratadistas y autores renombrados, como los franceses Aubry y Rau, Carbonnier y Baudry-Lacantinerie.

El mencionado artículo se ajusta perfectamente a cómo nos construímos unos ideales, una imagen de algo y cuando tenemos delante ese algo (en este caso Venecia), quedamos un tanto defraudados ante lo que ven nuestros ojos, digamos que es cómo si lo que nos representábamos mentalmente de repente le quedara “chico” a la realidad que se nos presenta.
La realidad también puede simplificarse, ya que lo único que vemos de ella es la “fachada”. Está dominada por el mundo de la política, como todo hoy día. La política es una gran mentira en la que unas personas modifican todo lo que consideran conveniente con el único fin de lucrarse, sin pensar en el estado que puedan causar a otras personas que no compartan su opinión y, por lo tanto, que no estén en su mismo “bando”.

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Como no podía ser de otra manera, lo que calificamos como patrimonio viene impuesto por estos políticos que con afán de poder, nos transmiten de manera imperativa lo que es importante y debemos cuidar. Ello queda reflejado, por ejemplo, en La Alhambra de Granada que constituye una de las Siete Maravillas del Mundo y, por tanto, una reliquia muy valiosa de nuestro Estado.

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La realidad es muy compleja y no se resume en un libro, tenemos que tratar de buscar distintas interpretaciones sobre ella, mientras más mejor, ya que las diferencias en las opiniones constituyen un elemento decisivo a la hora de comprender un tema, por ejemplo un cuadro. Nunca sabremos lo que el pintor pretendía expresar cuando cojió el pincel y realizó una obra, podemos intuirlo pero saberlo a ciencia cierta es imposible. Es por ello, por lo que al compartir un conjunto de opiniones este pensamiento puede dotarse de forma, de estructura.
Esto también puede y debe aplicarse a la escuela. En la que todos los alumnos deben participar mostrando su punto de vista, ninguno es el “estándar”, el que tenga que establecerse por excelencia, al contrario todos son igualmente válidos y correctos y constituyen las caras de una unidad.
Construimos el mundo mediante objetos mediadores, nos relacionamos a través de ellos. Las imágenes ocupan un lugar intermedio entre la realidad y nosotros, pero, en definitiva, nos muestran verdaderamente cómo es el mundo que nos rodea.
Las imágenes “congelan” el momento, son referentes de nuestro comportamiento en una situación determinada. Los momentos se acaban, en cambio las imágenes permanecen por siempre, forman nuestros recuerdos. Al recordarlas evocamos sentimientos, emociones, estados de ánimo de algo que ha pasado en nuestra vida y que, si no de una forma u otra, nos ha marcado de una manera significativa.

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TEMA 4: – ¿POR QUÉ EXISTEN LAS IMÁGENES? – SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO.

febrero 10, 2009

En este tema vamos analizar la influencia que tienen en nosotros las imágenes. Cómo a partir de ellas representamos la realidad y adoptamos una visión, diferente en cada caso, del mundo.
Comenzamos preguntándonos para qué creemos que sirven las imágenes. Aunque las respuestas son muy variadas todas comparten el mismo punto de vista: las imágenes pueden manipular nuestros sentimientos, emociones, estados de ánimo. Y esque constituyen un instrumento de gran poder a través del cual configuramos un significado del mundo, es decir, es a través de las imágenes adopatamos una perspectiva u otra sobre la realidad que nos rodea.
Aunque pueda parecer un poco subrrealista lo cierto esque el mundo funciona así. Desde que tenemos uso de razón nos servimos de las imágenes para todo. Como muestra este refrán además conocido por todos: “una imagen vale más que mil palabras”.

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1) Hasta hace algo más de un siglo, las imágenes eran bienes relativamente escasos que se utilizaban con fines precisos.
Efectivamente, anteriormente las imágenes no tenían la relevancia que tienen hoy día.
Comentaremos un ejemplo con el fin de reseñar lo dicho en líneas anteriores. Antiguamente era impensable ver en la televisión una película en la que aparecieran dos personas del mismo sexo manteniendo cualquier tipo de contacto sexual. Puede ser porque la gente pensara en la imposibilidad de que una persona pudiera sentirse atraída por otra del mismo sexo, pero lo cierto esque esto ha existido desde el principio de nuestra era, y no ha salido a la luz antes porque, entre otras cosas, ha constituido un motivo de vergüenza.
Recuerdo que no hace mucho vi un reportaje sobre la primera película del “destape” que se realizó aquí en España. A continuación un grupo de periodistas realizó una encuesta sobre la opinión que tenían algunas personas que por aquellos entonces habían tenido ocasión de verla. Automáticamente las mujeres respondían escandalizadas que eso era una falta de vergüenza. Ello da prueba, una vez más, de que existían unos temas tabú sobre los que no podía mostrarse nada y ni siquiera se teneía el derecho de pensar sobre ellos. Afortunadamente la vida a cambiado y hoy día las imágenes muestran el mundo tal como es, sin tapujos.

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2) Hacia la sociedad del espectáculo: la revolución tecnológica y los medios de comunicación en los siglos XIX y XX.

2a) El gran cambio en la producción de imágenes fueron los medios fotográficos y sus derivados.
El “daguerrotipo”, construido por Louis Daguerre en 1839, es un invento precursor de la fotografía moderna. Fue además un puente entre la cámara negra creada por Johann Zahn y retocada por Joseph-Nicéphore Niépce, y la cámara de objetivo del alemán Joseph Petzval, también conocido como Jozef Maximilián Petzval. Las publicaciones del momento dieron a conocer el nuevo aparato a la sociedad, pero supuso sobre todo una revolución en el mundo de la información ya que permitió cubrir el seguimiento de la Guerra de Crimea y de la Guerra de Secesión estadounidense.
Para la obtención de la imagen se parte de una capa sensible de nitrato de plata extendida sobre una base de cobre. A partir de una exposición en la cámara, el positivo se plasma en el mercurio. Finalmente, la imagen se fija tras sumergir la placa en una solución de cloruro sódico o tiosulfato sódico diluido.
A finales del año 1840 se habían conseguido tres progresos técnicos en el daguerrotipo. En primer lugar, se consiguió una lente hasta 22 veces más brillante. Además, se aumentó la sensibilidad de las placas ante la luz al ser recubiertas por sustancias halógenas (aceleradores o sustancias rápidas), con lo que el tiempo de exposición se redujo. Finalmente, las placas se doraron para enriquecer los tonos.

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Las primeras imágenes, fruto de este invento, sólo estaban a disposición del sector adinerado de la sociedad pero con el paso del tiempo estarán al alcance de todos ya que su precio cambiará hasta llegar a ser razonable.

2b) Los cambios técnicos en la imprenta en el siglo XIX, y después del XX, facilitaron la reproducción de gran cantidad de imágenes.
Estas primeras imágenes muestran el estado de la imprenta en el siglo XIX.

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Éstas otras muestran la evolución de la imprenta en el siglo XX, que comienza a utilizar herramientas más modernas que dan como fruto final imágenes más sofisticadas.

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2c) El cine.
En París en diciembre de 1895, los hermanos Lumiére, produjeron el primer film: “La llegada del tren”. El impacto de este hecho puede considerarse en gran medida por las consecuencias que desató en algunos espectadores, que huyeron despavoridos de la sala al ver a la locomotora aproximarse demasiado a la pantalla.
Las primeras películas eran de escasa duración, incluso en la actualidad serian consideradas como cortometrajes.
El francés George Mélies (1861- 1938) fue el primero en advertir las posibilidades comerciales del cine, como espectáculo popular, con este fin incorporó el rodaje en los estudios y los trucajes, sin los cuales la producción cinematográfica resultaría imposible. Al poco tiempo, surgieron en Francia las primeras empresas cinematográficas: la Gaumont y la Pathé, que lanzaron sus películas comerciales y los noticieros cinematográficos. Gracias a estos desarrollos, quedaron registrados los primeros hechos políticos, artísticos, deportivos y culturales. Además, surgió un nuevo género cinematográfico que tendría un gran desarrollo a lo largo del siglo: el documental.
En las postrimerías del siglo XX, los procesos de concentración de imágenes dieron lugar a una lucha por la posesión de las patentes entre europeos y norteamericanos. De esta manera, en EEUU, Thomas Ava Edison (1847-1931) patentó una máquina y un proyector. En pocos años, Edison —que triunfó en numerosos juicios por patentes— pasó a ser el productor de cine más destacado de los Estados Unidos y controló gran parte de la nueva industria. En 1903, produjo uno de los primeros grandes éxitos masivos. El film se llamaba “Asalto y robo de un tren”. Esta producción dio lugar al nacimiento de un género especifico que haría historia: el western (películas que contaban historias del oeste norteamericano ocurridas durante el siglo XIX marcado por la colonización y el asentamiento de flujos migratorios que provenían del este).

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2d) La televisión y los posteriores medios visuales.
La imagen en movimiento es lo que caracteriza a la televisión. Los primeros desarrollos los realizaron los franceses Rionoux y Fournier en 1906. Éstos desarrollaron una matriz de células fotosensibles que conectaban, al principio una a una, con otra matriz de lamparillas. A cada célula del emisor le correspondía una lamparilla en el receptor.
Pronto se sustituyeron los numerosos cables por un único par. Para ello se utilizó un sistema de conmutación que iba poniendo cada célula en cada instante en contacto con cada lámpara. El problema fue la sincronización de ambos conmutadores, así como la velocidad a la que debían de girar para lograr una imagen completa que fuera percibida por el ojo como tal.
La necesidad de enviar la información de la imagen en serie, es decir utilizando solamente una vía como en el caso de la matriz fotosensible, se aceptó rápidamente. En seguida se desarrollaron sistemas de exploración, también llamados de desintegración, de la imagen. Se desarrollaron sistemas mecánicos y eléctricos.

Como muestra del progreso de la televisión exponemos las siguientes imágenes.

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Pero el progreso en la televisión ha sido tal, que ya los niños no pasan tiempo jugando con sus amigos sino que lo pierden sentándose delante de una pantalla. A esto también pone su “granito” de arena la madre que intranquila de que sus hijos salgan a jugar fuera de casa ve en la televisión una especie de “canguro económico”.

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3) Vivir en una sociedad del espectáculo.
Verdaderamente, la sociedad está sumergida en el mundo del espectáculo, esta palabra puede referirse a varios contextos:
– a un programa televisivo, cada bloque de contenido que se emite por televisión;
– a una obra teatral, representación actuada de una historia frente a una audiencia;
– a un concierto musical, interpretación musical con público;
– a un espectáculo deportivo, demostración competitiva generalmente basada en la actividad física;
– a una corrida de toros, expresión de la cultura hispana en la que participan varias personas para lidiar un toro bravo.

De cualquier manera, lo significante en el mundo del espectáculo es lo atractivo, lo morvoso, en definitiva, aquello que tiene una mayor capacidad para captar nuestra atención.

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Nosotros también podemos pasar a formar parte del espectáculo, podemos hacer uno personal y continuado. Y esto sucede aunque lo hagamos de manera inconsciente. Por ejemplo cuando salimos con nuestros amigos de fiesta y nos hacemos fotos para “congelar” el momento ya estamos haciendo espectáculo.

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4) A la vez actores y espectadores de la sociedad del espectáculo.
El enunciaciado se corresponde totalmente con el mundo real, puesto que podemos ser al mismo tiempo actores y espectadores de espectáculos, o dicho de otra manera, sin espectadores el mundo del espectáculo sería inexistente.
Cuando nos hacemos una foto o grabamos un video tanto es protagonista el que posa o actúa como el fotógrafo o productor, son las dos caras de una moneda, unidas por un lazo de interdependencia.

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Por último, también sería conveniente destacar que lo que aparece en las imágenes es el aspecto que queremos que se vea de nosotros mismos. Las personas contamos aquello que queremos que los demás sepan, lo que no lo escondemos y, a veces, hacemos como si no exitiera.

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TEMA 3: TÉCNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁSTICA MÁS USUALES

febrero 10, 2009

Existen muchas técnicas a través de las cuales se pueden construir imágenes y objetos. Cabe resaltar que todas son igualmente válidas, es por eso incorrecto calificar el trabajo de un alumno como más bonito o cutre por el hecho de haber empleado una técnica u otra para realizarlo.
Algunas se utilizan desde hace mucho tiempo, es por ello que reciben el nombre de tradicionales. Pasamos a comentar cada una de ellas centrándonos en sus procesos más significativos.

1) Técnicas y procesos tridimensionales (volumen)
Están formadas por unos conceptos que se consideran elementales:
1.- Adición. Consiste en ir añadiendo cada vez más elementos.
Entre ellas destaca el “modelado”. Consiste en un proceso de aprendizaje observacional, en el que la conducta de un individuo o un grupo (el modelo), actúa como estímulo para generar conductas, pensamientos o actitudes semejantes, en otras personas que observan la actuación del modelo.
La presentación de modelos incluye también la exposición a señales y situaciones que rodean a la conducta modelada (contexto situacional). Las técnicas de modelado tratan de enseñar los principios o reglas que deben guiar la conducta en contextos determinados, más que respuestas imitativas simples.

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El modelado permite al sujeto se expresarse con una mayor libertad, ya que puede añadir elementos y modificar la obra siempre y cuando le sea posible.

Dentro de este proceso, hacemos referencia a la cocción para referirnos al proceso que se lleva a cabo con la pieza una vez que está seca, la cual dejará de ser sumergible en agua y comenzará a ser muy resistente a la erosión.

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2.- Sustracción. Se basa en quitar elementos.
Destaca la técnica de “talla”. La talla en piedra es un oficio muy antiguo, tan pronto como el hombre descubrió las posibilidades de este material natural, inició la construcción de utensilios de uso diario en piedra, tanto herramientas como objetos decorativos o de culto.
La talla de pizarra entraña gran dificultad, ya que es una roca que se divide en láminas muy finas con suma facilidad pudiendo llevar al traste la obra en la que se está trabajando debido, sobre todo, a esa cualidad de exfoliación tan típica de este mineral.
Las técnicas de talla que manejamos se realizan con maza, buriles y cinceles específicos, forjados artesanalmente por la mano del herrero. Éstos últimos están realizados en aceros de gran dureza, con aleaciones con vanadio, molibdeno o tungsteno y muy afilados para conseguir un corte perfecto.

Veamos unos ejemplos de esta técnica.

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A diferencia del modelado, la talla permite una menor libertad de expresión, dado que depende de la forma del bloque.

La talla puede ser de dos tipos:
-Directa. Consiste en quitar del material aquello que no vayamos necesitando para dar forma ala pieza.

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-Indirecta. Consiste en copiar un modelo en un material que sea de más fácil manejo y se va traspasando a la talla con la ayuda de una herramienta especial con el fin de no equivocarse.

Normalmente, los artistas practican la talla indirecta que es mucho más fácil y menos arriesgada que la directa, aunque muchos de ellos se niegan a reconocerlo, ya que esta última requiere un mayor esfuerzo y, por tanto, tiene más mérito.

Antiguamente la talla indirecta necesitaba de herramientas como los compases y el puntómetro. Sin embargo, los avances tecnológicos actuales también han abarcado el campo del arte que utiliza actualmente métodos mecanizados e incluso informáticos. Como los pantógrafos mecanizados y el escáner 3D por láser.

3.- Técnicas de producción. Se trata de juntar todas las piezas que ya se tienen para así conseguir formar la obra.
Destacamos la “soldadura” como prototipo más antiguo de dicha técnica y el ensamblaje como el más actual.
Observemos un par de ejemplos de cada uno que nos ayudará a esclarecer dichos conceptos.

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El ensamblaje forma un objeto y, en definitiva una pieza, a partir de cosas que ya se tienen.

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4.- Transformación. Consiste en transformar el material mediante manipulaciones hechas sobre él.
Nos referimos con especial entusiasmo a dos técnicas: la orfebrería y el soplado.
La “orfebrería” es el trabajo artístico realizado sobre utensilios o adornos de metales preciosos. Los metales que constituyen los objetos de orfebrería propiamente dichos son eminentemente la plata y el oro o una mezcla de ambos que en la antigüedad se llamaba electrón o eléctrum. Con dichos metales se fabrican ya desde edades muy remotas utensilios muy variados como vasijas, piezas de adorno, joyas, monedas, estatuas siguiendo el estilo, la ornamentación y el gusto propios de la época y de la nación que los elabora, como puede observarse recorriendo las principales civilizaciones.

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El “soplado de vidrio” es una técnica de fabricación de vidrio artesanal.
Existen dos tipos de vidrio soplado.
-El vidrio soplado pyrex
-El vidrio soplado reciclado
Ambos son artesanales, y requieren una gran destreza y ocupan de la mayor concentración posible, dado la temperatura del vidrio, y de su fragilidad.

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5.- Transformación. Prestaremos especial atención al vaciado y a la fundición.
Técnica de “vaciado”. Es una técnica para reproducir modelos mediante moldes. Muchos materiales, como metales y argamasa, se han utilizado para vaciados, y el bronce ha sido el más popular de todos a lo largo de los siglos.
Las estatuas pequeñas se pueden vaciar en bronce macizo, pero el enorme peso que tendría una estatua grande de bronce junto con la cantidad de metal que se requeriría para su manufactura, favoreció el desarrollo de sistemas para vaciar en hueco, de modo que la estatua posea una fina capa de metal rodeando un núcleo macizo de algún material incombustible. Esto se consigue vertiendo el metal fundido en un estrecho espacio comprendido entre el mencionado núcleo y un molde sacado, directa o indirectamente, de un modelo; una vez enfriado el metal y solidificado, se saca el molde. El método de cera perdida introducido por los griegos durante el siglo VI a. de C., es el más extendido.

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La “fundición”. Consiste en el proceso de fabricación de piezas, comúnmente metálicas pero también de plástico, consistente en fundir un material e introducirlo en una cavidad, llamada molde, donde se solidifica.
El proceso tradicional es la fundición en arena, por ser ésta un material refractario muy abundante en la naturaleza y que, mezclada con arcilla, adquiere cohesión y moldeabilidad sin perder la permeabilidad que posibilita evacuar los gases del molde al tiempo que se vierte el metal fundido.

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2) Técnicas y procesos bidimensionales.
En este apartado haremos hincapié en el dibujo y en la pintura.
El “dibujo” tiene como característica primordial el empleo del trazo o la línea. Frente a otras técnicas artísticas, destaca por la brevedad en su ejecución. Generalmente, es de dimensiones reducidas.
El soporte habitual del dibujo es el papel. Para los apuntes y los dibujos de pluma y pincel, se prefiere el papel blanco, de granulado fino y superficie lisa . El papel de grano grueso, sea coloreado o no, es más adecuado para el dibujo a lápiz, el carboncillo o el pastel.
El dibujo a pluma emplea distintos tipos de tintas:
a) La más frecuente es la tinta china, que se confecciona a base de negro de humo disuelto en aceite, de goma arábiga y aglutinantes. Una vez mezclada con agua produce tonos grises.

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b) La sepia es una tinta que se obtiene de la sustancia contenida en una glándula del cefalópodo del mismo nombre. Dicha sustancia se diluye en agua en distinto grado de concentración y se le añade goma arábiga.

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Además de constituir la materia prima del dibujo a pluma, la tinta es también la base de otras dos técnicas de dibujo: el pincel y la aguada.
El pincel se usa con tintas puras o diluidas en agua.

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La aguada se obtiene a partir de tinta china o de tintas de colores, que se diluyen en agua y se aplican con pincel.

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Es frecuente encontrar mezcladas en un mismo dibujo las diversas técnicas. La pluma y la tinta se utilizan para trazar las líneas y las figuras, y el pincel y la aguada para matizar las actitudes y los contrastes.

El dibujo a lápiz se define por el material empleado:lápiz negro, lápiz blanco de yeso y de color, a los que se suman las tizas coloreadas.
El carboncillo se consigue con unos bastoncillos obtenidos de la combustión lenta de la madera, a los que se añaden resinas y alcohol para prolongar su duración.

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La sanguina es un lápiz rojo de arcilla ferruginosa.

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El lápiz negro que se usaba en época de Goya era el grafitoinglés, cuya mina se fabricaba con plomo. En 1790 se inventóuna nueva técnica de fabricación de lápices: el llamado lápiz Conté. Se trata de un conglomerado de polvo degrafito y arcilla, que sigue utilizándose hoy en día para lafabricación de lápices corrientes.

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La “pintura” es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura como la teoría del color. El color puede ser de distintas naturalezas ya sean orgánicos y biodegradables, solubles en agua, de base aceitosa, etc.

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.

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La témpera es un medio similar a la acuarela, pero tiene una “carga” de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela “clásica” se considera incorrecto; a ese efecto en la acuarela se le denomina “acuarela opaca” o “muerta”.

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La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.

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La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que, en su composición, llevan una alta proporción de pigmento que se aglutinan con cola y en ocasiones yeso. De esta manera se consiguen colores luminosos, intensos y bien saturados.

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La técnica de temple es una emulsión de agua, clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar.

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El óleo es la técnica rey por excelencia, su pastosidad, su carácter versátil de poder ser empleado en veladuras o en empastes le dan una libertad admirable, ya que su secado es gradual se pueden hacer esfumados y mezclas cromáticas sobre el mismo lienzo o soporte.

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3) Técnica de mosaico.
El mosaico, procede de oriente en el tiempo 5000 años a. de C. Forma parte de las civilizaciones antiguas como una forma de expresión y realización de figuras y formas artísticas mediante pequeños fragmentos de piedras coloreadas llamados teselas , y el collage viene del francés “coller” que traducido libremente podríamos decir que es una técnica de encolar, esto significa la asociación de diversos elementos mediante la cola o pegamento, pudiendo con esta técnica aplicar los materiales sobre diversos soportes como tela, cartón, tabla, etc.
El collage se desarrolla principalmente a principios del siglo veinte con Picasso y Braque, utilizado primordialmente por los cubistas dadaístas y surrealistas.
Los materiales para el collage son sencillos de encontrar y muy variados “todo depende del ingenio del individuo a la hora de plasmar su idea con materiales tan diversos (periódicos postales, fotografías, folletos de publicidad, etiquetas, telas, tramas y un sinfín de materiales semi rígidos.
Veamos algunos ejemplos de mosaicos.

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Y también unos cuantos de collages.

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4) Otras técnicas tradicionales.
Destacaremos en este punto las “vidrieras”.

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5) Técnicas de imagen fotográficas e infográficas.
Las técnicas fotográficas tienen especial énfasis en las particularidades que tiene su aplicación en fotografía digital. Provienen del cine, televisión, etc.

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Las técnicas infográficas son representaciones más visuales que la propia de los textos, en las que intervienen descripciones, narraciones o interpretaciones, presentadas de manera gráfica normalmente figurativa, que pueden o no coincidir con grafismos abstractos y/o sonidos.

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6) Modos de expresión no basados en la creación de objetos ni imágenes.
Entre los más importates nos centraremos en los siguientes:
Expresión con el cuerpo. Es una actividad psicofísica que da lugar a la creación de estímulos y situaciones que favorecen la liberación interior y orientan al niño, permitiéndole expresarse con total plenitud.

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Performance. Es parecida a una situación pero no lleva a cabo un guión.

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Land art. Es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.).

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7) Algunas nociones elementales en el arte.
De la idea original a la obra acabada suele haber un proceso intermedio, que se concreta en tre pasos fundamentales: el boceto, el modelo y la obra acabada. Del mismo modo, algunos artistas suelen hacer maquetas para plaificar su obra. Un paradigma de ellas serían las que exponemos a continuación. La primera corresponde a la casa del parque Güell y la segunda a la Dama de Elche.

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Pero al igual, hay artistas que crean sus obras sin tener en cuenta procesos previos. Éstos optan por una forma más espontánea, la cual es utilizada como expresión de sus sentimientos y emociones.

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